展览地点：广州市滨江东路554-1号　尚洋艺术港

　　展览时间：2014/06/20-2014/07/31

　　开幕时间：2014-06-20 15:00

　　参展艺术家：村上隆

　　战略合作艺术门户：网易艺术

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　　尚洋艺术港6月20日举办日本艺术大师村上隆展览!6月20日，广州迎来一场为期一个月的“村上隆盛宴”。这场“村上隆版画原作大展”将在滨江路上的尚洋艺术港的艺术空间举办，展出30多幅大师真迹。2003年，村上隆发表新宣言《幼稚力宣言》，并为自己的动漫作品下个定义：“动漫的审美体验是独特的，它会打动你未泯的童心，激起你对童年的美好回忆。”在以日本为中心的潮流文化语境里，透过他独特的视觉符号，表达了青春的美和残酷。

　　村上隆(1962年2月1日-)是一位日本艺术家。他曾就学于东京艺术大学。

　　他是受日本动画和日本漫画影响而专注于御宅族文化和生活方式的后现代艺术风格——超扁平(Superflat)运动创始人。其灵感源自众多古怪的浮世绘艺术家和金田伊功于1983年发布的动画作品《Harmagedon》。曾获东京艺术大学颁发BFA、MFA及PhD。1996年他在东京创办了HIROPON工厂，之后演化成现时的KaikaiKiki有限公司，一所大型艺术生产的艺术管理公司。

　　他曾于多个世界著名的展览场地举行展览，

　　包括2001年在东京当代艺术馆;

　　2002年在伦敦蛇型艺廊;

　　2007年洛杉矶当代艺术馆;

　　2008年纽约布鲁克林博物馆;

　　2003年他为路易·威登创作出彩色图案皮具，将其个人艺术事业推至高峰。现时，他为加州大学洛杉矶分校担任客席教授。

　　村上隆(日语村上 隆 平假名 むらかみ たかし 罗马字 MurakamiTakashi)，是上世纪60年代以后出生的日本艺术家中极具影响力的一位，在日本不仅是一位受到广泛的喜爱的艺术家，也是日本新一代年轻人的偶像。村上隆他强烈意识到——西方的当代艺术与日本的艺术创作是截然不同的，重要的是我们这一代人如何不依靠任何固有的文化体系而创造出最本质的东西。因而他的作品既融合了东方传统与西方文明，高雅艺术与通俗文化之间的对立元素，同时又保留了其作品的娱乐性和观赏性。是一种结合了日本当代流行卡通艺术与传统日本绘画风格特点的产物。其作品趣味性十分值得一提。村上隆将米老鼠的变体形象植入自己的作品(Mr.DOB)将它视为自己的化身并成为独特的视觉符号。

　　村上隆独特的“superflat”(“超扁平”)风格画作，用高度精炼的日本古典绘画技法混合了波普艺术、动画和“御宅族”生活元素，他在不断扩大的审美争论和文化启示领域内游刃有余。他的作品有与人们熟悉的乌托邦和反乌托邦主题同行的微笑花朵、精心制作的场景动画以及变形的cult人物，他回忆和复兴了超越和启蒙叙述手法。挖掘宗教和世俗题材是这位所谓的日本“怪人”艺术家的偏好，他被普遍认为是早期现代纪元的代表，与西方浪漫主义传统截然不同。如果要问村上隆，日本的文化特质是什么，他的答案一定是：Superflat(超扁平)。这个词是他提倡的日造英语，也是一九九九年广泛受人注目的词汇。不仅点明了卡通动画及漫画影像上的二维平面特质，更深入指向日本大众文化的扁平无深度现象。他曾不止一次提到，日本整个社会就是superflat。

　　1.　村上隆的商业成就及荣誉

　　村上隆的作品不仅在全世界许多著名博物馆展出，而且在商业上他也是个炙手可热的人物，曾取得了令人惊叹的业绩。

　　不仅有曾在纽约克里斯蒂拍卖会上拍出了56.7万美元天价的金发卡通美女Ko2小姐(玻璃纤维制，高约2米);让全世界女性追捧的LV也频频与他合作，装饰有他设计图案的LV手袋，每只售价高达5000美元。Mr.DOB的形象也曾被印在T恤衫和气球上大量发售，成为深受年轻人喜爱的潮流品。

　　可以说，他的艺术从形式到内容都瓦解了精英文化与通俗文化之间的隔阂，使自己摇身变成制造流行及商业文化的人，并在不断寻找艺术与商业之间新的融合可能性。

　　年轻人已经不再仅仅满足也已经不再屑于那些印着唐老鸭或者HelloKitty卡通形象的衣服，他们更欣赏有点神经质的村上隆式色彩和图案大量体现在他们的衣服上。

　　2010年9月14日-12月12日，村上隆的个人作品回顾展在巴黎凡尔赛宫开展。

　　幼稚力宣言引领潮流

　　2003年，村上隆发表了他的“幼稚力宣言”，充满童稚感的日本潮流文化名正言顺进入西方时尚的中心。早在2000年春夏，村上隆标志性的“眼睛”便已经在三宅一生的男装上眨眼，2003年，他的“熊猫”“樱花”更是在LouisVuitton的皮包上登堂入室。这款系列的CherryBlossom被拥趸们昵称为“樱桃包”，用粉嫩的樱花花瓣和开心笑脸让全世界尤其是亚洲地区的女人们趋之若鹜。LouisVuitton的经典MonogranMulti-color百年来一直是在三色里打转转，而村上隆一气用上几十种颜色，将原来LouisVuitton成熟经典甚至有点老气的形象瞬间转换成缤纷与轻盈。限量发售的EyeLoveMonogram系列沿用了最有村上隆符号感的“眼睛”，发售过后这4年里，仍然广受追捧。

　　就在“幼稚力宣言”发表的同时，中国有一本《童年的消逝》也非常畅销。这实际上是本很正经的学术书，作者尼尔·波兹曼曾著有广有影响力的《娱乐至死》。在《童年的消逝》里，他研究了媒介技术的发展历史，发现原本通过印刷术和阅读能力而建立起来的成人与儿童的分界线，正在电视的猛烈攻击下越来越模糊，电视把成年人的秘密和暴力转化为娱乐，比如孩子们最爱看的卡通往往不是小蝌蚪找妈妈式的田园牧歌，而是像变形金刚、圣斗士那样充满暴力的传奇故事。像蜡笔小新这样的日本漫画，最有娱乐感的正是小新的“下作”。

　　与此同时，尼尔·波兹曼还发现，在儿童成人化之时，成人却也日益儿童化，电视新闻和广告的智力水平只不过相当于一个10岁孩子。这些学术的预言，在电视媒介正在受网络媒介挤压的现在，似乎更加有应验的可能。

　　3.村上隆对奢侈品的影响

　　某种意义而言，村上隆对LouisVuitton的价值甚至不逊于它的艺术总监MarcJacobs。后者为这法国经典皮包老牌创作高级成衣线，使原本有些暮气沉沉的LouisVuitton迅速上位成为国际时装界最炙手可热的品牌，而村上隆高举着“幼稚力”大旗，则在年轻一代里重新塑造了LouisVuitton的形象。尤其是在亚洲，欧洲的奢侈品传统一转眼居然也成了年轻人的酷文化之一部分。村上隆的“幼稚力宣言”，有着浓厚的日本漫画风格，扁平化的人物、植物、花朵在以日本为中心的潮流文化语境里，尤其容易得到年轻人的追捧。

　　村上隆：我的作品为什么会卖1亿元

　　艺术是借由与社会接触而成立的，艺术作品本身是没有办法自立的，没有观赏者就无法成立;当然，作品销售也是要有顾客才会成立。不管在什么样的领域，这都是理所当然的销售铁则。到了艺术的世界却想要无视它的存在，成功哪有那么容易?

　　我总是在做一些毫无根据的提案，恐怕就是因为毫无根据，所以才能与社会形成对话。这种对话就像是“日本的艺术来自漫画御宅族”、“时尚与艺术的结合”或“艺术可以用单纯的规则来解释”。

　　毫无根据的东西会制造出一种吸引顾客的氛围;如果氛围不够热烈，是不会有客户的，这是不言而喻的道理。

　　太过珍惜既有的东西，或光是做太多高尚的东西，当然没有办法突出;如果去模仿既存的流派，就会被淹没在其中。跟保守主流的西欧绘画宗派相比，我就像创立了新兴宗教一样，无论是被打击还是引人瞩目都是理所当然的事。

　　2006年5月，我的作品在拍卖会上喊出了1亿日元的价格，自从2003年有一件作品被以6800万日元交易以来，我的作品就被形容是“日本单件艺术作品的史上最高价”。这样的价格有其理由，也有其背景因素，对我来说，我也丝毫不觉得这是过高的金额。

　　美术作品的制作成本是很高的，要创作出新的东西或者新的概念，需要投入很多的时间跟金钱。如果没有金钱和时间，就无法每天研究如何创造出前所未有的东西。也就是说，如果没有生意和经营的手段，是无法持续进行艺术制作的。

　　作品的价值，已经不再靠东西本身来决定。不管是价值或评价，只要创作作品的人跟观看的人“内心的频率”可以达成交易，其价格就会向上提升。

　　进入艺术史的脉络

　　要理解一件拍卖价格达1亿日元的作品，就必须先知道欧美跟日本艺术界的差异。

　　在欧美，大家对于艺术不会追求像日本那种“颜色很漂亮”之类暧昧的感动。对艺术最基本的态度，是享受其中知性的“设计”或者“游戏”。在欧美制作艺术作品有一个不成文的定律，那就是“通过作品，创造出世界艺术史的脉络”。我的作品被订下高价，证明了我长久以来在美术史上所建立的脉络已经渗透到欧美了。

　　为什么杜尚在马桶上签名就能变成作品?

　　现成的马桶形状都一样，从中产生的价值是什么?就是“观念”或“概念”。这才是价值的根源、品牌的本质，也是艺术作品能够受到肯定的理由。我再重复一次，被肯定的是观念或者概念的部分。

　　在西方的艺术世界，能被认可具有真正价值的，既不是好素材，也不是付出了多大的努力。大部分的人都是用喜好来看艺术作品，这是危险的态度。如果要用主观来判断，眼前所有作品的真正价值就等于零。

　　如果只凭主观判断，就会只去评价易懂的东西。因为那是根据时代氛围、传言等不确定的事物，在漂浮不定的状态下所作出的判断。这与创造历史的欧美脉络是远离的。创作者如果不知道欧美的美术历史或者脉络，就好比看运动赛事的观众不懂得比赛的规则，然后觉得无聊一样。

　　5.　村上隆　-　成为“欲望制造商”

　　“了解艺术的我，挺知性吧!”

　　“我花了几十万美元买了一件艺术作品，还算个有趣的家伙吧?”

　　在西方的美术世界里，艺术是无法与社交界特有的炫耀或者竞争的氛围切割开来的。如果不学习这样的背景，我觉得一般人没有办法看到艺术作品真正的价值。没错，艺术不过就是有钱人的无聊游戏，但如果你对这种事情嗤之以鼻的话，那就请不要对国际的评价标准有任何意见。

　　譬如说，开出6800万日元的价格购买我的作品的买主，是一对快80岁，已经卖掉公司而隐居的老夫妻。

　　同一件作品之前的拥有者是年轻的IT企业总裁，他很开心地跟我说：“因为卖掉了你的作品，我可以买很多件年轻艺术家的作品了!”

　　在美国的富裕阶层里，会因为购买高评价的艺术作品，在社会上获得尊敬，并被认为是“成功者”。这些人，就是生意的对象。

　　这项生意当然有奖励富裕阶层人士购买艺术家作品的法规和制度来作为支撑。在美国，事业成功的人，都会认为有义务要回馈社会。在考虑回报社会时，他们所选择的项目之一，就包含了援助美术馆，也就是购买艺术作品，然后捐赠给美术馆。收藏家除了可以借此展现自我品位，捐赠的作品金额，也会成为免扣税的对象。这也是很重要的因素之一。

　　因为要购买能保值或有升值空间的作品，也会有专门评估的艺术顾问，同时顾问们也会在买卖的现场创造着与作品有关的故事。

　　对收藏者来说，越让他们烦恼的东西他们就越想要。他们就像是在下一笔巨大的赌注。于是，用购买欲、征服欲去炒热市场的，就是这些拍卖艺术相关人士的工作。

　　“艺”之外的功夫

　　所谓的畅销，应当是将沟通做到最大化之后的成功结果。

　　跟LV合作时，我就认定销量决定胜负。所以当第一次的合作和第二次(2005年春夏)的樱桃系列卖得很成功时，我真的很高兴。

　　实际上，技术本身也可以诱发时代气氛。有很多人模仿安迪.沃霍尔，但是在艺术制作的技术上，差距是鲜明的。安迪.沃霍尔进入西方艺术史脉络的技术与其他人是截然不同的。他创办INTERVIEW杂志，广泛结交名人朋友;他画出象征社会主义国家的毛泽东肖像，引发新闻关注;他的绘画作品始终在制造一种随意的风格。但即便超出其所能控制的范畴，他的作品也呈现出一种浑然天成的姿态，这就是沃霍尔的技术。

　　如果要向全世界展示自己的艺术，就不应该只是停留在作品的制作，而是连作品周边的细部都下足功夫，甚至连观众所身处的环境都不可漏掉。

　　在日本，如同求道者一般的艺术家形象更容易被推崇，国宝级作品或者成为文化象征的作品才会得到强烈的支持。但我认为，很多被过去的日本美术史否定的人，才恰恰是一流的艺术家。

　　漫画《美味大挑战》中的主角海原雄山的真实人物北大路鲁山人就曾经被认为是唬人的陶艺家。他模拟过去陶器名作的创作态度，也被认为是充满过度模仿色彩。著名的白洲正子以及其他古董界的鉴赏家都曾经严酷地批评他的作品“没有灵魂”。

　　鲁山人的作品在他在世的时候，大都被认为是赝品，但以制造作品周边的环境这一项而言，他可以说是一位能横行国际的一流日本艺术家。创造出和食怀石料理概念的他，在创造上充满心思。

　　在日本艺术史中，日本艺术家的行动向来就不先制定自己的坐标轴，所以鲁山人承袭过去的创作被批评为赝品。的确他的陶器有其低劣的地方，但我觉得他和沃霍尔一样都是在制造一种“明知故犯的坏品味”，我觉得日本人这种无法接受对业界既有规则的颠覆性挑战，反而是更穷酸的。

　　所以，将鲁山人定位为日本的沃霍尔，我认为非常贴切。他曾经成立会员制美食俱乐部“星冈茶寮”，用他自傲的陶器盛放料理，款待政治财经界的要人，他和用毒药做媒介开派对的沃霍尔在本质上并无差别。

　　成为鲁山人座上宾的人都属上流社会，了解以阶级社会为主轴的金钱和权力构造，将力道集中在“款待”二字上，鲁山人无疑在陶器作品之外，创作出了一个以沟通为重点的艺术空间。

　　以阶级社会为主轴的奢华艺术，在战败后的日本逐渐式微，但在日本被揶揄的鲁山人的方法，可以毫不夸张地说，才是从过去到现在，欧美艺术节被认定为主流的方法。